La peinture sur le motif est une peinture réalisée dehors dont le but est de «cueillir l'instant» est de faire ressentir les impressions.

Cette pratique commence à apparaître au XVIIIè siècle, quand des peintres ont voyagé en Italie et ont peint à l’extérieur, principalement à Rome.

Un des premiers à peindre de cette façon est Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875), «anticipateur de l’impressionnisme».

Peindre sur le motif a été facilité par une révolution dans le matériel : l'invention du tube de peinture en 1841. Cela permet un transport plus pratique et rend plus facile l'application des couleurs, ce que voulaient les peintres.

La technique utilisée est très simple: l'artiste ne fait pas de dessin préalable et pose des touches rapides et irrégulières directement sur sa toile pour recréer l’atmosphère autour de lui.

La nature semble plus vivante grâce à la touche instinctive et aux différentes couleurs qui la valorisent avec ses lumières et nuances diversifiées, contrairement à celle représentée par les artistes en atelier. On peut voir la profondeur donnée par la touche épaisse comme sur le tableau Les remparts d'Arras.

Vers la fin du XIXè et début du XXè siècles, avec l'essor de l'impressionnisme, la peinture sur le motif se diffuse partout dans le monde comme pour John Constable en Angleterre (1776-1837) par exemple.

Les remparts d'Arras, COROT Jean-Baptiste-Camille, 1871,

huile sur toile, 23cm x 34,6cm, Musée du Louvre, Paris, France 

John Constable est un peintre britannique né en 1776 et mort en 1837.

Il s’essaye à la peinture de portraits et de scènes historiques mais préfère la peinture de paysages naturels. Certaines de ses toiles sont exposées au salon de Paris en 1824, ces œuvres influencent notamment les peintres de l’école de Barbizon, dont Jean Baptiste Corot.

Il peint ce qu’il observe sans ajout de détails non présents dans le paysage original. Il utilise même la chambre noire, qui permet de projeter la lumière d’un objet sur une surface, s’appuyant sur l’image obtenue pour peindre son tableau.

Il veut rendre la réalité comme elle est sans l’embellir ou la modifier. Il est attaché à reproduire la campagne britannique avec sa vie et ses habitants. Il admet avoir un style avant-gardiste par rapport à ses contemporains puisqu’il appose de larges touches sur ses toiles.

La façon avec laquelle il représente, entre autres, le ciel et les nuages est proche de celle qui sera utilisée par les peintre impressionnistes après lui. Il utilise des touches blanches pour accentuer les reflets de l’eau et il superpose des couches rouges et vertes pour donner de la profondeur aux arbres et contribuer au réalisme.

Il est connu pour ses nuages qu’il représente sous différentes formes et à différents moments de la journée, ce qui fait varier les nuances de leurs couleurs.

 « Clouds », John Constable, 1822, 30*48,8 cm, huile sur papier,

National Gallery of Victoria à Melbourne en Australie

Jean Baptiste Corot est un peintre du XIXe siècle.

Il a été très inspiré par des paysages rapportés par son maître Michallon, par Nicolas Poussin et d'autres artistes.

Cela lui a donné envie de faire son premier voyage en Italie, de 1825 à 1828, pendant lequel il a eu l'occasion de mieux se former grâce aux lieux et à la lumière.

Les caractéristiques des tableaux de Corot en Italie sont la perspective atmosphérique, amené notamment par la mise en relief des paysages dans ses peintures. Ci-dessous, les plaines sont mises en relief notamment grâce à la décoloration des paysages plus éloignés par rapport au peintre.

Corot peignait en extérieur afin de «ne jamais perdre la première impression qui nous a émue.».

Il peint également sur le motif, et se sert généralement du climat italien qui est très ensoleillé, pour faire ressentir d'autre sens comme la chaleur. Ici, il fait un contraste entre le ciel très blanc (presque éblouissant) et la végétation plus foncée.

Grâce à ses caractéristiques et ses détails, Corot donne une image impressionniste à ses tableaux.

Le Pont de Narni, 1826-27, huile sur toile, 34x48cm,

Paris, musée du Louvre

La peinture de paysage est un genre pictural qui représente le paysage

La peinture de paysage connut un réel engouement en Italie, à la fin du XVIe siècle, notamment à Rome, véritable foyer artistique où s’installèrent de nombreux peintres étrangers, notamment français.

Les paysagistes créèrent une école académique prônant l’étude directe de la nature et la retouche du motif en atelier. Dans cette école, les élèves étudiaient les œuvres de l’antiquité et de la Renaissance

Les premiers peintres, dont Poussin, peignaient des pays imaginaires, empreints d’une grandeur implicite ou royale :

Nicolas Poussin, est un artiste français du XVIIe s.

Paysage par temps calme, 1651, Huile sur toile, 97 × 131 cm, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Les peintres du XIXe siècle, avant tout ceux de l’école de Barbizon et les impressionnistes, s’attachent eux à représenter des lieux déterminés et ordinaires, qu’ils connaissent.

Leur esthétique est plus conforme au goût d’une société bourgeoise de plus en plus urbaine, qui s’engoue pour la nature et les paysages. 

Jean-François Millet est un artiste français du XIXe s. et l’un des fondateurs de l'école Barbizon.

                                           Les Glaneuses, 1857, huile sur toile, 87,5  x 111 cm, Musée d'Orsay, Paris

Qui est Claude Gellée ?  Claude Gellée est né à Champagne en 1600 et décéde à Rome en 1682.

Originaire d'une famille pauvre, il devient assistant auprès du peintre Augusto Tassi puis par la suite il devient élève du peintre flamand Paulus pour apprendre l'art du «paysage».

Au début de sa carrière, il commence par peindre des paysages traditionnels avec des scènes de genres et des Pastorales sans sujet. Ensuite après quelque temps, il s'intéresse au sujet mythologique c'est-à-dire qu'il peint des motifs où le paysage occupe l'espace de la toile tout en faisant ressortir le héros qui est reflété dans le paysage.

Pour faire ressortir le décor du paysage, Claude Gellée utilisait la lumière,
c'est-à-dire que dans ses oeuvres on retrouvera la lumière naturelle qui est blanche comme celle du soleil, la lumière du Soleil sera toujours en arrière plan du tableau comme par exemple « Port Le Matin» , réalisé en 1635-1645.

Comme nous le pouvons le voir, la lumière du Soleil est à l'arrière plan pour permettre de faire ressortir les éléments du port.

Quel est le rapport avec Jean-Baptiste Camille Corot et Claude Gellée?
 

Les rapports entre ses deux artistes sont :  Ils sont partis en Italie pour les paysages, c'est-à-dire que Claude Gellée est parti en Italie pour les paysages avec la «lumière naturelle» puis Jean-Baptiste Camille est parti plusieurs fois en Italie,c'est-à-dire qu'il part en rapportant de nombreux portraits et paysages comme études mais historiques de son point de vue lors de son retour en France et qu'il s’agit en effet d’une peinture spontanée correspondant à la vision de l’instant et en particulier l’impressionnisme

La famille Dutilleux est une famille assez importante à DOUAI. Elle comprend des peintres, imprimeurs et des dessinateurs.

Le plus célèbre d'entre eux étant Constant Dutilleux qui est peintre (né le 5octobre 1807 et mort le 21 octobre 1865 à l'age de 58 ans)

Constant Dutilleux, Autoportrait,
musée des beaux-arts d'Arras.

Il est un proche de Jean-Baptiste Corot qui possède la même vocation que ce dernier. Ils sont tous les deux adeptes de l'école de Barbizon (école de peintres paysagistes). Corot a peint le célèbre tableau "Le Beffroi de Douai" lors d'une visite chez son ami Dutilleux.

Ensuite,en second il y a Paul Dutilleux (1844-1925) qui tient une imprimerie à Douai (Rue Bellain)

Puis nous avons Paul Édouard Dutilleux (1881-1965), qui est le père du célèbre musicien Henri Dutilleux et qui a repris l'imprimerie familiale.

Enfin nous avons Henri Dutilleux (né le 22janvierà ANGERS et mort le 22mai 2013 à Paris) qui était un compositeur de musique classique moderne et contemporaine.

Il est issu de cette dernière génération d'intellectuels chez les Dutilleux.

EN CONCLUSION, nous pouvons affirmer que la famille Dutilleux a été d'une influence importante dans les arts intellectuels à DOUAI

Le 16 avril 1853, lors d'un mariage de la famille de son ami à Arras, ses 2 amis, Grand Guillaume et Dutilleux soumetttent à Jean-Baptiste Corot une idée qu'ils ont inventé :  Le «dessin sur verre ».

Il essaye ensuite et fait des clichés de portraits et de paysages.

Le cliché sur verre est une technique à mi-chemin entre la gravure et la photographie, qui est réalisé directement par l'artiste au soleil avec une plaque recouverte de vernis dans laquelle l'artiste grave son dessin, puis la plaque est déposée sur un papier photosensible puis plongée dans un révélateur.

Le cliché est le souvenir d'Ostie crée en 1855 par Corot. Il représente un paysage avec une colline et une maison.

Une Odalisque est une femme esclave vierge qui peut devenir concubine* ou favorite* (dans les sérails* ottomans) souvent au service du sultan.

Le mot Odalisque est d'origine Turc = Odalik « femme de chambre »

*concubine = maitresse d' un homme puissant, elle est financièrement soutenue par celui-ci

*favorite = odalisque qui a un talent artistique comme le chant, la danse... elle est entraîné pour ce statut

*sérail = palais du sultan dans l'ancien empire ottoman. Il comporte un harem où sont logées les odalisques.

Ce genre débute dans les années 1800. Il était important au XIXe siècle en Europe car très tabou. Les premiers artistes a avoir exploré ce type de peinture sont :

Jean-Auguste-Dominique Ingres avec La Grande Odalisque :

Elle date de1814 et est exposée au musée du Louvre.

 
 Ou Eugène Delacroix avec l'Odalisque:

Elle est date de 1857.

 Ainsi que François Boucher avec l'Odalisque Brune :

Cette oeuvre est datée de 1745 et est conservée au musée de Louvre a Paris. 

Jean-baptiste Camille Corot s'est inspiré de ces artistes pour peindre son odalisque Marietta, dite L’odalisque romaine :

Ce tableau est exposé au Musée du Petit Palais à Paris. Il mesure 29,3cm de hauteur sur 44,2 cm de longueur. Il date de 1843.

La peinture à l'huile est composée de pigments, de liant (l’huile de lin purifiée ou l’œillette) et de diluant ou solvant (essence de térébenthine ou essence de pétrole). La peinture à l'huile permet d’obtenir des effets de matières ou de reliefs et résiste mieux à l’humidité que la peinture l'eau.

La Joconde, Léonard de Vinci,réalisée entre 1503 et 1506 ou entre 1513 et 1516

Il existe plusieurs formes de peinture à l'eau dont l'aquarelle et la gouache qui sont des peintures à base d'eau gommée. L’aquarelle s’utilise sur des papiers légèrement épais mais aussi parfois sur de la soie.

Mais il existe également la peinture acrylique qui utilise des pigments mélangés à des résines synthétiques et se dilue à l’eau.

L'invention de la photographie marque la fin du réalisme. Le mot impressionnisme vient du titre d'un tableau de Claude Monet Impression soleil levant où Renoir proposa, en voyant la monotonie des tableaux du peintre, de mettre ses impressions sur toile.

Ce mouvement artistique ne montre pas le réel mais les sensations ainsi que les sentiments éprouvés face au réel.

A l'opposé des paysagistes classiques qui peignaient une nature idéalisée, les impressionnistes veulent montrer la vision passagère même s'il faut ne pas peindre les détails (comme les feuilles des arbres).

Ces paysages sont généralement peints sur des toiles de petits formats et à l'extérieur.

Les impressionnistes jouent avec les effets de la lumière (reflet sur l'eau comme sur le tableau ci-dessous) et l'idée de mouvement (vent, nuages) en utilisant des couleurs plus vives/contrastées ainsi que des coups de pinceaux plus rapides.

                                                                                                                                                                            La Seine à Vétheuil (1878), Claude Monet, Huile sur toile.

Ces paysages sont souvent peints en série sous différents moments de la journée/ année comme Les meules de Monet. Ils sont peints sous des points de vues inhabituels comme un tableau montrant Paris de Caillebotte Rue de Halevy peint depuis un balcon.

La naissance de la photographie semble avoir donné aux peintres un élan supplémentaire.

Le paysage rural américain apparaît comme une source de renouveau. Certains s'inspirent de leurs photographies pour en peindre des paysages ou comme Grant Wood qui créé un modèle réduit en argile avant de peindre, pour représenter avec précision les ombres projetées.

Les peintres peignent un paysage à leur manière, Grant Wood fait des représentations du paysage de son enfance donc des peintures de paysages avec des motifs saisonniers de l'agriculture.Young Corn montre un passage d'une représentation réaliste à des formes fluides et géométriques qui donne une allure de jouet.

Young Corn, Grant Wood, 1931

Grant Wood idéalise les paysages qu'il peint, il les rend apaisant et séduisant alors que la campagne est en réalité en crise, car elle est envahi par l'industrie. C'est pour cela que Grant Wood ne représente pas de machine agricole.

Une citation de Dow semble applicable au Young Corn : « Prenez tout paysage comportant de bons éléments, réduisez-le à quelques lignes principales et efforcez-vous de le présenter de la plus belle manière ».

Grâce au voyage en Italie, Corot se familiarise des paysages italiens et se forme pour ses études.

Il y séjourne de 1825 à 1828, passe par Rome, Naples et Venise.

Il peint ce qu’il nomme « des souvenirs », des paysages historiques composés de mémoires.

Ce qu’il est venu chercher en Italie, ce sont les couleurs vives et la lumière de ce pays comme les murs des maisons, les églises, le ciel, l’eau, les collines et la végétations.

Les portraits et paysages qu’il rapporte d’Italie sont des peintures spontanées qui correspondent à sa vision de l’instant même : « pour ne jamais perdre la première impression qui nous a émue ».

Le voyage de Corot a permis une évolution de la peinture, en particulier pour l’impressionnisme, la pratique du plein air, en essayant de peindre le plus de détails possible pour que l’œuvre soit identique au réel.

La promenade de Poussin, campagne de Rome, Jean-Baptiste Corot.

Huile sur toile, entre 1825 et 1828. Exposée au musée du Louvre, Paris. 33X51cm.

Jean -Baptiste Corot est né le16 juillet 1796 à Paris.

Il appartient à la génération romantique et se situe en amont des impressionnistes.

Il était peintre de paysages mais également de « figures ». En peinture comme en dessin, une figure est la représentation d'une personne humaine entière.

Jean Baptiste Corot ne réalisait pas ces figures pour les exposer mais il les gardait comme sorte d'études. Ses figures ne sont sorties de son atelier qu’après sa mort le 22 février 1875, souvent achetées par des collectionneurs américains.

Les musées français ne possèdent que quelques unes des figures de Corot ; le musée Marmottan expose une soixantaine de ses figures ; il s'agit pour la plupart de proches ou de membres de sa famille.

Peinture de Corot « Jeune fille grecque à la fontaine » acquise par le musée du Louvre vers 1865/1870.

On y aperçoit le thème de la femme à la fontaine qui a souvent était traité par Corot.On reconnaît sur ce tableau Emma Dobigny un des modèles préférés de l'artiste ;elle a également posé pour le tableau Haydée et la sculpture Velléda.

            Jean Baptiste Corot est un peintre francais du XVIIIe et XIXe siècles.

            Il passa longtemps pour un peintre amateur qui avait tout loisir de voyager non seulement un peu partout en France, mais aussi en Italie, où il résida à trois reprises.

           Il s'est notamment intéressé au paysage du nord comme on peut le remarquer sur l'une de ses oeuvres, Matin près de BEAUVAIS en 1860.

            COROT n'a pas peint qu'une seules oeuvres dans le nord il a également peint 14 autres comme par exemple Les saules de Marissel.

On peut remarquer que  les tableaux de COROT sont "représentatifs" de la vie car a chaque fois une personne, un ou des animaux sont présents ou bien un village est représenterLes saules de Marissel : COROT (Huile sur Toile)

Corot se rendait régulièrement au petit village de Marissel (à 40Km du Nord de Paris). Il visite Marissel en juin 1857 et le peint la même année.

Il a la réputation principale de maitriser la lumière dans ses tableaux.

Pour le tableau il utilise la lumière diaphane (Très pâle et qui donne une impression de fragilité) de la brume matinale qui enveloppe la ligne de peupliers et des saules.

On peut voir que trois personnes (un couple + un enfant) sont au centre. Ils sont principaux, ils représentent la vie et (l’amour). On peut y apercevoir un chien qui est en retrait et qui regarde à gauche du tableau, la famille.

Il a dû être peint en automne car les arbres n'ont pratiquement plus de feuilles sur leurs branches. Ça peut être en automne car la couleur la plus utilisée dans le tableau est jaune vieilli/doré comme lors du début d’automne quand les feuilles vont « mourir ».

La femme est dans des habits de couleur sombre (manches longues) et l’homme aussi a des habits sombres qui peut être un autre indice sur la saison . (Le chien aussi est sombre à cause de ses poils)

Les arbres de gauche sont clairs tandis que les arbres de droite sont sombres. Les arbres de gauche qui sont clairs ont de l’herbe claire et avec des fleurs tandis que les arbres de droite ont de l’herbe foncée sans fleur.

        Le tableau peut être représentatif de la vie ou du passage de la vie ; par la couleur claire du côté gauche (« côté cœur ») et côté droit côté sombre, il peut aussi être au passage de la vie ou encore représentatif de la vie par la petite fille qui est au centre et qui est vêtue dans des couleurs plus clairs que ses parents.

        L’homme a un regard porté en haut ou il y a un arbre clair qui croise l’arbre sombre qui peut aussi être une représentation de la vie.

       Les arbres sombres ont des branches coupées tandis que les arbres clairs ont encore leurs branches (représentatives de la vie).

Jean Baptiste Camille Corot est un peintre français du XIXe siècle. Il voyage beaucoup durant toute sa vie surtout en Italie et un peu partout en France notamment dans la ville de Douai dès 1851 afin de passer du temps avec ses amis : les Dutilleux.

Constant Dutilleux dirige un atelier à Arras. Lorsque Corot rend visite à ce dernier il rencontre ses deux gendres : Charles Desavary ainsi qu'Alfred Robaut, également peintres. Alfred Robaut est l'auteur du catalogue d’œuvre de Corot.

Jean Baptiste Camille Corot aime peindre et passer du temps avec ses amis.

C'est d'ailleurs avec eux qu'il découvre le cliché verre.

Corot en reproduit une soixantaine.

En 1871 lors d'un séjour chez Alfred Robaut, il peint le beffroi de Douai (exposé au musée du Louvre à Paris). Il serait allé à Wagnonville le matin puis se serait rendu à Douai l'après midi afin de capter la lumière, élément essentiel de ses peintures. On remarque sur l’œuvre un couple de passants discuter, l'homme serait Corot.

L’École d'Arras partage avec Corot les séances de travail et son approche nouvelle et sensible de l'art du paysage. En effet, Corot est le précurseur de l'impressionnisme. Il était l'un des premiers à peindre en extérieur et non dans son atelier.

Durant ses séjours dans le Nord, le peintre a découvert et appris de nombreuses choses. Il trouve une certaine beauté au Nord cela se ressent dans ses tableaux tel que «Le château de Wagnonville, 1871» 

Jean Baptiste Corot, le Beffroi de Douai, 1871

Jean Baptiste Corot se trouvait place Suzanne Lanoy lorsqu'il a peint ce tableau.
La maison à gauche abrite aujourd'hui un fleuriste. Le bâtiment à droite appartenait à un armurier. De nos jours, c'est un marchand de légume.
La maison de laquelle il peint existe toujours, elle est au coin de la rue. Tous les bâtiments ont la même teinte beige et marron

Tout d’abord la peinture sur le motif est présente depuis le 18^e siècle.

C’est une « peinture de plein air », c’est à dire des œuvres peinte à l’extérieur, dans la nature, devant le paysage mais c’est également peindre dans un atelier après avoir rapporté des croquis du sujet, comme Corot aime le faire.

Jean-Baptiste Corot est un grand adepte de cette technique, il est considéré comme l’un des fondateurs de l’École de Barbizon, qui est une communauté de peintres prônant le travail sur le motif dans la nature.

Corot travaille à partir d’études prises sur le vif, puis il compose en atelier un paysage qui peut plus ou moins s’éloigner de la réalité qu’il a observée.

 Venise, Gondoles sur le Grand Canal, 1835

Cette peinture rappelle son début de carrière et ses nombreux séjours en Italie. On y observe une gondole à Venise avec dedans quatres personnes qui sont probablement en train de se promener. Cette peinture à été observée, dessinée en croquis par Corot depuis une chambre et reproduite.

La peinture pour lui consiste à exprimer une émotion intérieure par les formes et les couleurs. Il aime la nostalgie et les souvenirs. Corot à su trouver un style qui s’adapte totalement à cette peinture poétique.